Nacionalismo e Impresionismo

Nacionalismo

Origen

El origen del nacionalismo suele ser bastante controversial, dado que existen diferentes opiniones sobre su nacimiento, pero las que más resuenan afirman que el nacionalismo surge luego de las grandes revoluciones (revolución francesa, revolución burguesa y revolución liberal) y está acompañada por los movimientos burgueses que se presentaron en años posteriores a estas revoluciones.

Objetivo

El nacionalismo intenta generar en los ciudadanos de una misma nación el sentimiento de pertenencia (patriotismo) utilizando diferentes argumentos, herramientas y estrategias.

Tipos de nacionalismo

Dentro de las definiciones sobre el nacionalismo existe una división a la que es importante referirse:

Nacionalismo de la identidad o romántico.
Nacionalismo vanaglorioso. Aquí se podría incluir el nacionalsocialismo y el fascismo.

Simbolismos

El nacionalismo promueve diferentes instrumentos entre las cuales se destaca la utilización de símbolos patrios: creación de una bandera en común, fiestas patrias, comidas típicas o autóctonas.

Música

La música es utilizada como característica de una misma región y forma parte de otras de las herramientas de este nacionalismo. De esta forma los habitantes de una misma nación comparten música que luego se convertirá en himnos identifica torios y diferenciales respecto de otras naciones.

Danza

Las danzas tradicionales le sirven al nacionalismo para forjar el sentimiento patriótico tan necesario para la unificación del pueblo.

Las guerras

La conquista de un territorio genera sentimientos de pertenencia en el pueblo/nación. Es indistinto si esta es triunfante o si se la pierde pues siempre mediarán los sentimientos de pertenencia de sus habitantes en el conflicto bélico.  

Nacionalismo ruso

El nacionalismo ruso surgió en la segunda mitad del siglo XVIII, debido al interés de los círculos de educación de la alta sociedad, de las corrientes de la filosofía occidental y el pensamiento político. Inicialmente, la nación era entendida por la élite cultural e intelectual (en su mayoría de la nobleza) como parte del orden existente.

El nacionalismo se interpreta en el espíritu de primordialismo que estimuló el interés en los orígenes de Rusia y su cultura.

Durante el reinado de Pedro I los logros de Rusia fueron muy llamativos, y el zar también veía con buenos ojos a los europeos, es decir, de igual a igual. Como escribió en 1791 Nikolái Karamzín.

Desde que el Zarato ruso se transformó en el Imperio ruso en 1721, se dio un nacionalismo hostil hacia las minorías. Sin embargo, el poder zarista utilizó el nacionalismo de las minorías para sus intereses en la política exterior: apoyó el paneslavismo en el Imperio austrohúngaro y en el Imperio otomano. A principios del siglo XX, cuando en el Imperio ruso comenzó el declive del absolutismo, el gobierno comenzó a recurrir a las Centurias Negras y a provocar tensiones étnicas en el país.

Desde que llegaron al poder en 1917, los bolcheviques reprimieron el nacionalismo ruso, declarando oficialmente que el nacionalismo era una ideología hostil, ya que se oponía a la idea del internacionalismo proletario, uno de los principios del marxismo. Aunque se suprimiera el nacionalismo, algunas políticas soviéticas tuvieron cierto carácter nacionalista. Así, el programa de rusificación que comenzó en el siglo XX bajo Nicolás II fue continuado por las autoridades soviéticas. Durante la Segunda Guerra Mundial, tratando de unir al pueblo contra los invasores, Stalin hizo un llamamiento al sentimiento nacional y el patriotismo, a la vez que recurrió a las deportaciones de pueblos en la Unión Soviética.

En 2005, los analistas del VTsIOM concluyen que el resultado de la construcción de una nación-estado en Rusia es negativa, debido a la subordinación de la política a los intereses corporativos. Esto ha provocado un crecimiento de la identidad étnica en Rusia, que actúa como ideología de Estado.

Los Cinco (compositores)

Los Cinco. De arriba a abajo y de izquierda a derecha: Mili Balákirev, César Cuí, Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín.

Los Cinco, también conocidos como «El Gran Puñado» (en ruso: Могучая кучка, Mogúchaya kuchka), se refiere a un círculo de compositores que se reunieron en San Petersburgo, Rusia, en los años 1856-1870: Mili Balákirev (el líder), César Cuí, Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín. El grupo tenía el objetivo de producir un tipo de música específica de Rusia, en lugar de uno que imitara el estilo en que se basó la música europea, o la formación que se daba en los conservatorios de Europa. En cierto sentido, eran una rama del movimiento nacionalista romántico en Rusia, con la Colonia Abrámtsevo y el Renacimiento Ruso, luchando por lograr objetivos similares en el ámbito de las bellas artes.

El lenguaje musical que desarrollaron Los Cinco los situó lejos del Conservatorio. Este auto-consciente estilo ruso se basó en dos elementos:

Ellos trataron de incorporar a su música canciones típicas rusas, danzas cosacas y caucásicas, cantos de iglesia y el sonar de las campanas de estas (hasta el punto que el sonar de la campanas se convirtió en «cliché»). Los Cinco llenaron su música con sonidos imitativos de la vida rusa. Trataron de reproducir la lírica y melismática canción campesina, a la que Glinka una vez llamó «el alma de la música rusa». Balákirev lo hizo posible por su estudio de canciones del Volga en los 1860. Más que cualquier previa antología, sus transcripciones preservaron los aspectos distintivos de la música folclórica rusa: Mutabilidad tonal

Una melodía parece pasar de un centro tonal a otro, a menudo terminando en una tonalidad diferente a la que empezó. Esto puede producir un sentimiento de elusividad, una falta de definición o de progresión lógica en la armonía.

Una melodía es simultáneamente prestada entre dos o más intérpretes con diferentes variaciones. Esto es improvisado por los cantantes hasta el final, cuando la canción vuelve a una única línea melódica.Quintas, cuartas y terceras paralelas

Los Cinco adoptaron una serie de recursos armónicos para crear un estilo distintivo ruso, de color diferente a la de la música de occidente. Este estilo exótico de Rusia fue autoconsciente y enteramente inventado, ninguno de estos recursos era en ese tiempo usado en el folclor ruso o en la música de iglesia. Son: Escala hexatónica o de tonos completos

Aunque Glinka no la inventó, la aplicación de ésta en su ópera «Ruslán y Liudmila» (1842) le proporcionó un recurso armónico y melódico característico. Esta escala en obras rusas a menudo sugiere personajes o situaciones malvadas u ominosas. Fue usada por todos los grandes compositores desde Chaikovski a Rimski-Kórsakov. Claude Debussy también usó esta escala en su música, tomando esto, como otras cosas, de los rusos. Después esta escala se convirtió en un recurso habitual en la música de películas de terror. La Submediante Rusa

También vinculado a Glinka, es un patente armónico en modo mayor en el cual, la nota superior del acorde tónica (dominante) va cromáticamente hasta la submediante, mientras las otras notas quedan constantes.La escala octatónica o disminuida

Rimski-Kórsakov la usó por primera vez en su poema sinfónico «Sadkó» en 1867. Esta escala se convirtió en un «leitmotif» de magia y amenaza ruso, usado no solo por Rimski-Kórsakov sino también por sus seguidores, sobre todo Ígor Stravinsky en «El Pájaro de Fuego», «Petrushka» y «La Consagración de la Primavera».Rotación modular en secuencia de terceras

Los Cinco usaron este recurso de Franz Liszt como base para una amplia estructura de poema sinfónico. De esta forma, ellos podían eludir las rígidas leyes de occidente de modulación en forma sonata, permitiendo que la forma de una composición musical sea moldeada enteramente por el «contenido» de la música (su declaración programática y descripciones visuales) más que por su leyes formales de simetría. Esta amplia estructura se volvió especialmente importante para «Cuadros de una Exposición» de Músorgski, un trabajo que pudo haber hecho más que otro para definir el estilo Ruso. Escala pentatónica

Este aspecto estilístico usado por todo compositor nacionalista ruso, tiene la característica distintiva en tener solo cinco notas en la octava, en vez de siete de la escala heptatónica (ej: modo mayor o menor). La escala pentatónica es una manera de sugerir una «primitiva» melodía pueblerina como también un elemento «oriental» (Medio Oriente, Asia). Un claro ejemplo del uso de esta escala, se encuentra en la obra «La Gran Pascua Rusa» del compositor Nikolái Rimski-Kórsakov.

Modesto Mussorgsky (1839-1881)

 (Modest Petrovich Musorgski o Mussorgsky; Karevo, Rusia, 1839 - San Petersburgo, 1881) Compositor ruso. La escuela musical nacionalista rusa tuvo en los miembros del denominado Grupo de los Cinco a sus máximos exponentes. De ellos, el que mejor supo reflejar el alma del pueblo ruso, a pesar de las profundas carencias de su preparación técnica, fue Modest Mussorgsky. Músico de formación autodidacta, muchas de sus obras quedaron inacabadas por falta de conocimiento del oficio de compositor, pero a pesar de ello revelan un talento y una originalidad que ejercerían una profunda influencia en autores posteriores como Debussy, Ravel o Shostakovich.

Hijo de un terrateniente, la infancia de Mussorgsky transcurrió en el medio rural, en contacto con la realidad del campesinado ruso que tan certeramente supo retratar en sus óperas. Destinado por su familia a seguir la carrera militar, en 1857 entró en contacto, en San Petersburgo, con el crítico Vladimir Stasov y los compositores Balakirev, Borodin, Cui y Rimski-Korsakov, con quienes formaría el Grupo de los Cinco.

Cuadros de una exposición (1874)

·         Promenade

·         Tuileries

·         Bydlo

 

 

Silvestre Revueltas  (1899-1940)

(Nacionalista Mexicano)

(Santiago Papasquiaro, México, 1899 - Ciudad de México, 1940) Compositor, violinista y director de orquesta mexicano considerado uno de los máximos y más influyentes representantes de la corriente nacionalista. Formado como violinista y director de orquesta en su tierra natal y Estados Unidos, empezó a componer relativamente tarde, a principios de la década de 1930, seguramente influido por el ejemplo de Carlos Chávez, de quien fue director asistente entre 1929 y 1935 en la Orquesta Sinfónica de México. En 1937 marchó a España, y participó de manera activa en la guerra civil a favor del bando republicano.

 

Su obra abarca desde piezas para dotaciones pequeñas, como es manifiesto en Ocho por radio (1933), hasta obras para gran orquesta, como Janitzio (1933) y Sensemayá (1938). Para el cine elaboró partituras que han seguido interpretándose en forma independiente, como Redes (1935) y La noche de los mayas (1939). Sus composiciones fueron numerosas; entre ellas destacan, junto a las citadas, los poemas sinfónicos Cuauhnáhuac (1930), Esquinas (1930), Ventanas (1931) y el ballet El renacuajo paseador (1933). A pesar de su absoluta brevedad, que contribuye de hecho a hacerla aún más efectiva, Sensemayá (1938), título que hace referencia a una serpiente tropical, es la obra más conocida de Silvestre Revueltas. Todos los rasgos del estilo del músico están presentes en ella, empezando por la absoluta primacía del ritmo como generador de la composición, influencia directa del Stravinsky de La consagración de la primavera.

 

Sensemaya (1937)

 

 

 

Nacionalismo Mexicano

Nacionalismo mexicano El nacionalismo mexicano es el movimiento social, político e ideológico que conformó desde el siglo XIX lo que se considera identidad nacional de México. El nacionalismo mexicano nace del patriotismo criollo del virreinato de la Nueva España, alimentado de una corriente anti-españolista y pro-indigenista.

La palabra abstracta de mexihcatl, la cual deriva del idioma náhuatl y que hacía referencia sólo al pueblo azteca y su expansión de su antiguo imperio, dio gentilicio a una nueva nación a partir del nombre de la ciudad capital de los mexicas; el nombre debería ser meshico (como se lee en español). Hoy en día es un enfoque ultra-nacionalista que comparten muchos mestizos, algunos indígenas y algunos criollos dentro del territorio de México enalteciendo al último emperador mexicano previo a la Conquista, Cuauhtémoc.

 

Otros Nacionalistas Latinoamericanos
 

Heitor Villa-lobos (1887-1959)

(Río de Janeiro, 1887-id., 1959) Compositor brasileño. Autor de un catálogo de colosales proporciones, con cerca de dos mil composiciones que abarcan todos los géneros, Héitor Villa-Lobos es la figura esencial de la música brasileña.

Formado musicalmente al margen de las instituciones y los conservatorios oficiales, fueron determinantes los viajes que realizó al interior de Brasil a partir de 1906, en que conoció los cantos tradicionales de los indios de la selva amazónica, que ejercerían una influencia decisiva en la conformación de su estilo, caracterizado por una absoluta originalidad formal y armónica, libre de las convenciones del nacionalismo más académico, pero en el que la recreación, más que la alusión directa, de melodías y ritmos indígenas ocupa un lugar preferente.

En 1915 se dio a conocer, no sin polémica, en un concierto celebrado en Río de Janeiro e integrado todo él por sus propias composiciones, cuya novedad chocó con el conservadurismo del público asistente. Una beca concedida en 1923 por el gobierno brasileño le permitió afianzar su formación en París; a su regreso ejerció la enseñanza en distintos centros, al tiempo que su música conquistaba el reconocimiento nacional e internacional.

 De su abundante producción sobresalen las nueve Bachianas brasileiras (1932-1944), en las que Villa-Lobos se propuso sintetizar el contrapunto de Bach con las melodías populares de su patria, la quinta de las cuales, compuesta para soprano y conjunto de violoncelos, ha conquistado merecida fama. Cabe destacar también los quince Chôros (1920-1928) para distintas combinaciones instrumentales, y obras como el poema sinfónico Amazonas (1917), el Rudepoema para piano (1926), la ópera Magdalena (1947), el ballet Emperador Jones (1955) y la Sinfonía núm. 12 (1958).

 

Bachiana Brasileira (1930-31)

 

 

Impresionismo

El impresionismo es un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).

Historia

Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico era dominado por el eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Claude Debussy (1862-1918)

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.

De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada), sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales (entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico original.

Luego, la fama creciente le obliga a estancias en Viena y Budapest (1910), Turín (1911), Rusia (1913-14), Holanda y Roma (1914) para la dirección de sus propias composiciones. No ocupó cargos ni buscó jamás puestos estables; careció de discípulos y sí tuvo únicamente amigos, con quienes gustaba de hacer música, conversar y discutir sobre arte y poesía. Actuó frecuentemente como colaborador musical en diversas revistas, generalmente literarias, y reunió los principales frutos de tal colaboración en el volumen Monsieur Croche, antidilettante (1917). Operado en 1915 de un cáncer intestinal, no pudo recobrar ya la plenitud de sus fuerzas físicas, y moría en 1918, amargado y conmovido profundamente por los desastres de la guerra.

 

Suite Bergamasque (1890)

 

Béla Bártok (1881-1945)

(Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, 1881 - Nueva York, 1945) Compositor húngaro. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.

Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada.

Profesor de piano en la Academia de Música de Budapest desde 1907 y director adjunto de esta misma institución desde 1919, en 1934 abandonó los cargos docentes para proseguir su investigación en el campo de la musicología popular, al mismo tiempo que, como pianista, ofrecía recitales de sus obras en toda Europa y continuaba su tarea creativa, con partituras tan importantes como Música para cuerdas, percusión y celesta y la Sonata para dos pianos y percusión. 

El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó, como a tantos otros de sus colegas, a buscar refugio en Estados Unidos. Allí, a pesar de algunos encargos puntuales como la Sonata para violín solo o el Concierto para orquesta, Bartok pasó por serias dificultades económicas, agravadas por su precario estado de salud. A su muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones, como el Concierto para piano n.º 3 y el Concierto para viola, ambas culminadas por su discípulo Tibor Serly.

Concierto para Orquesta (1943)

 

 

Arnold Schoenberg (1874-1951)

(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música- , fue una figura capital en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba.

El escándalo suscitado en el estreno de la última partitura, en Berlín en 1912, fue uno de los mayores que se recuerdan en los anales de la música contemporánea. No por ello Schönberg cejó en sus investigaciones: su preocupación por hallar una técnica que ofreciera suficientes garantías de organización interna y libertad creativa y que, al mismo tiempo, superara las limitaciones de la atonalidad, le llevó a la promulgación del «método de composición con doce sonidos», por primera vez en 1923 en la quinta de las Cinco piezas para piano Op. 23 y, en 1924 y de manera definitiva, en la Suite para piano Op. 25.

Con este sistema, el músico compuso algunas de sus obras más importantes, como las Variaciones para orquesta, la ópera cómica en un acto De hoy a mañana o la bíblica Moisés y Aarón, sin lugar a dudas una de sus partituras más ambiciosas, que quedó inconclusa a su muerte.

La ascensión de Hitler al poder en 1933 privó a Schönberg de su cargo como profesor en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín, a cuya plantilla pertenecía desde 1925, y, además, le obligó, por su doble condición de judío y compositor «moderno», a tomar el camino del exilio. Estados Unidos fue su destino. Fijada su residencia en Los Ángeles, allí continuó con su actividad docente hasta prácticamente el fin de sus días.

Pierrot Luinaire (1912)

 

 

Henry Cowell (1897-1965)

Henry Dixon Cowell (11 de marzo de 1897 - 10 de diciembre de 1965) fue un compositor, teórico musical, pianista, profesor, publicador y empresario estadounidense. Su contribución al mundo de la música fue resumida por Virgil Thomson, que escribió a inicios de los años 1950:1

Estudió en el American Institute of Applied Music de Nueva York y en la Universidad de California. Durante su carrera, actuó como concertista de piano por Europa y Estados Unidos. Realizó importantes estudios sobre la música oriental en Nueva York (1927), en Berlín (1931-32, con Hornbostel, gracias a una subvención de la fundación Guggenheim, y en Asia (1956-57), al conseguir una beca Rockefeller. También dio varias conferencias en lugares como La Sorbona, el Conservatorio de Moscú y la Bauhaus de Dessau.

Una de sus invenciones, que heredaron John Cage y sus seguidores, es la creación de la escritura libre o por aproximación de valores, donde los instrumentistas deben interpretar a su gusto. Con ello quedan suprimidas las barras del compás y el director se limita a marcar el principio y fin de la pieza.

Prácticamente, régimen de exactitud y racionalismo serial en la música, algo totalmente en contra del pensamiento de Cowell puesto que, para él, resultaba antinatural que el ser humano tuviese que reproducir con absoluta fidelidad unos ritmos tan complejos e imposibles de percibir auditivamente.

The Banshee (1925)

 

 

Igor Stravinsky (1882-1971)

(Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados, como Bach (Concierto en re), Tchaikovsky (El beso del hada), Haendel (Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino) y obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète.

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinsky volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia.

Sinfonía de los Salmos (1930)